Ophélia de Millais

Ophélia est une œuvre réalisée entre 1851 et 1852 par le peintre anglais John Everett Millais (juin 1829 Southampton – août 1896 Londres), classé comme préraphaélite. Cette huile sur toile conservée à la Tate Gallery de Londres, mesure 76 cm de haut par 112 cm de large.

Ce tableau représente la mort d’Ophélie telle qu’elle est décrite dans la scène 7 de l’acte IV de Hamlet la pièce de Shakespeare. En voici un extrait:

Au-dessus du ruisseau penche un saule, il reflète
dans la vitre des eaux ses feuilles d’argent
Et elle les tressait en d’étranges guirlandes
Avec l’ortie, avec le bouton d’or,
Avec la marguerite et la longue fleur pourpre
Que les hardis bergers nomment d’un nom obscène
Mais que la chaste vierge appelle doigt des morts.
Oh, voulut-elle alors aux branches qui pendaient
Grimper pour attacher sa couronne florale ?
Un des rameaux, perfide, se rompit
Et elle et ses trophées agrestes sont tombés
Dans le ruisseau en pleurs. Sa robe s’étendit
Et telle une sirène un moment la soutint,
Tandis qu’elle chantait des bribes de vieux airs,
Comme insensible à sa détresse
Ou comme un être fait pour cette vie de l’eau.
Mais que pouvait durer ce moment ? Alourdis
Par ce qu’ils avaient bu, ses vêtements
Prirent au chant mélodieux l’infortunée,
Ils l’ont donnée à sa fangeuse mort.

(Extrait trouvé le 8 juillet 2016 à l’adresse suivante : http://abardel.free.fr/recueil_de_douai/ophelie/mythelitteraraire.htm)

Ici la jeune femme est figurée flottant dans une rivière, un bouquet à la main, entourée d’une nature luxuriante. Ses vêtements paraissent gorgés d’eau et son corps s’enfoncer. On retrouve le saule, l’ortie et le bouton d’or du texte.

Le tableau a été peint en deux temps : Millais commença par le paysage pour cela il s’inspira de la rivière Hogsmill dans le Surrey qu’il observa pendant 6 mois afin de représenter toutes les fleurs de la toile. Puis il réalisa le personnage d’Ophélie, c’est Elisabeth Siddal, la muse des préraphaélites qui posa allongée dans une baignoire remplie d’eau.

Dans cette œuvre, chaque détail est réalisé avec minutie, les végétaux sont figurés avec la précision d’un botaniste et ont chacun une valeur symbolique : les coquelicots évoquent la mort, les marguerites près de la main d’Ophélie symbolisent l’innocence, les violettes en collier représentent la fidélité tandis que le myosotis signifie ne m’oubliez pas.

Le personnage s’intègre parfaitement au décor, les tonalités du vêtement ou de la chevelure se retrouvent dans les coloris de la nature environnante ainsi le roux des cheveux répond à celui de l’écorce du saule.

La composition du tableau par ses obliques descendantes annonce la fin tragique d’Ophélie.

Cette œuvre la plus connue de Millais est caractéristique du courant préraphaélite. Ce mouvement artistique représenté par des peintres comme Dante Rossetti ou Holman Hunt, refusait l’esthétique hérité de la Renaissance. Ici le réalisme exacerbé, la vivacité des couleurs, la référence à la littérature anglaise et l’importance de la symbolique en font une œuvre typique du préraphaélisme. Elle influença de nombreux contemporains et successeurs de Millais comme Edward Burne-Jones.

Pour en savoir plus sur les préraphaélites : article du Musée d’Orsay

La photographie illustrant l’article provient du site web gallery of art : http://www.wga.hu/art/m/millais/ophelia.jpg

 

 

 

 

Publicités

Ugolin de Jean-Baptiste Carpeaux

Ugolin est une œuvre de Jean-Baptiste Carpeaux (11 mai 1827 Valenciennes- 12 octobre 1875 Courbevoie). Il existe plusieurs versions de ce groupe dans différents matériaux.  Ce bronze conservé au Musée d’Orsay a été fondu en 1862. Il mesure 194 cm de haut pour 148 cm de large.  Le Metropolitan Museum of New York conserve un marbre de taille identique. Tandis que le petit Palais et le musée de Valenciennes ont dans leurs collections des plâtres.

Ugolin de Jean-Baptiste Carpeaux conservé au Musée d’Orsay

La sculpture s’inspire du chant 33 de l’Enfer,  la première partie de la Divine Comédie de Dante. C’est le passage ou le poète florentin accompagné de Virgile rencontre Ugolin della Gherardesca, qui avait trahi le parti des Gibelins (favorables à l’Empereur pour rejoindre celui des Guelfes (soutiens du Pape)  puis instaura une tyrannie dans sa ville. Son rival, l’archevêque Ubaldini le fit enfermer dans un donjon avec ses fils et petit-fils pour y mourir de faim. Avant de succomber, Ugolin mangea sa descendance.

Le père est figuré assis au centre de la composition, ses enfants à ses pieds. La douleur et l’angoisse se lisent dans son attitude : il se mange les doigts, son visage est crispé, ses pieds recroquevillés. Les quatre garçons sont à l’agonie, dans des positions certes contorsionnées mais tellement expressives. Chacun représente une étape vers la mort

La composition de l’œuvre très compacte rajoute à l’impression de peur de terrassement.

Dans la représentation des corps, le spectateur peut voir que Carpeaux s’est inspiré de sculptures antiques comme le Laocoon ou des chefs d’œuvres de Michel –Ange comme les Esclaves conservés au Musée du Louvre.

L’élaboration première de ce groupe a été réalisée en Italie où Carpeaux était élève après avoir remporté le Prix de Rome, il s’agit de son dernier travail en tant qu’étudiant à l’Ecole Française de Rome. Mais le thème devait comporter une ou deux figures et le sujet tiré de l’histoire antique ou de la Bible. L’œuvre fut donc refusée et une bataille s’en suivi entre l’administration de l’école et l’artiste. Ugolin fut terminé une fois que Carpeaux termina son séjour à l’Académie grâce au soutien de mécènes.

L’œuvre de Jean-Baptiste Carpeaux est inclassable, l’ensemble de son travail est  un pont entre le romantisme par le choix de ses sujets et le naturalisme par son traitement réaliste.

La photographie provient du site Web Gallery of Art

Les panneaux peints du retable de Mathias Grünewald

Le retable d’Issenheim est un très grand polyptyque  réalisé vers 1510, pour le couvent des Antonins à Issenheim en Alsace, près de Colmar. Il est aujourd’hui conservé au musée Unterlinden de Colmar.

Le retable d’Issenheim vu fermé

L’ensemble a été réalisé en tilleul, les sculptures sont l’œuvre de Nicolas de Haguenau. Mais la polychromie du bois doit dater du XVIIIème siècle. Les peintures  résultent du travail de Mathias Grünewald qui a utilisé une technique mixte (tempera et huile). Le retable mesure un peu moins de 3 mètres de haut, fermé il représente une crucifixion encadrée par saint Sébastien et saint Antoine avec sur la prédelle (petit panneau sous la composition centrale) une mise au tombeau.  Pour la représentation intermédiaire, on voit de gauche à droite une annonciation, une nativité et une résurrection avec la même prédelle que pour le retable fermé. Le retable complètement ouvert montre 2 panneaux peints : la visite de saint Antoine à saint Paul et la tentation de saint Antoine et une partie sculptée représentant saint Augustin, saint Antoine au centre, et saint Jérôme, sur la prédelle également sculptée, nous voyons le Christ entouré des Apôtres.

Il s’agit d’une commande de Guy Guers, précepteur de l’ordre des Antonins.  Cette congrégation religieuse était connue pour les compétences médicales de ses moines. Parmi les innombrables épidémies et fièvres dont souffrait le monde médiéval, on trouve le mal des Ardents  appelé également le feu de saint Antoine, car les Antonins se consacraient au traitement de cette épidémie, actuellement cette maladie est connue sous le nom d’ergotisme. Ce mal présente d’horribles symptômes : picotements et fourmillements accompagnent des troubles sensoriels auxquels succèdent des accidents gangreneux liés à la vasoconstriction. Les membres noircissent, se détachent du corps. Cette affection frappe une grande partie de la population se nourrissant essentiellement de pain de seigle. Les années de disette, les grains trop précieux n’étaient pas triés même ceux touchés par l’ergot (un parasite de cette céréale) : le pain s’en trouvait contaminé.

Les pèlerins malades pouvaient voir le retable depuis la nef à travers le jubé, ou directement en s’introduisant dans le chœur.

La chair torturée du Christ glorifie le mal qui brûle le corps des malades, la présence de saint Antoine et de saint Sébastien fait naître l’espoir d’une guérison. Ce sont des saints protecteurs de la peste pour l’un du mal des ardents pour l’autre, deux des fléaux du Moyen Age.

Le panneau droit représente saint Antoine : la figure imposante est sur un piédestal traité en grisaille, il porte une crosse en forme de tau ce qui rappelle la forme des béquilles des malades amputés un monstre semble l’attaquer derrière la verrière.

Panneau droit du retable d’Issenheim

Le panneau droit représente saint Sébastien, son corps est transpercé de flèches.

Tous deux sont considérés comme des saints guérisseurs Antoine contre l’ergotisme et Sébastien de la peste.

Tout le retable concentre des scènes dramatiques ou étranges. La Crucifixion par exemple, avec son fond sombre fait ressortir les silhouettes de chacun des personnages. la Vierge, vêtue de blanc, s’évanouit dans les bras de saint Jean, Marie-Madeleine est tassée par la douleur. La chair du Christ est tourmentée, hérissée d’échardes, avec des plaies sanglantes. Saint Jean-Baptiste est également représenté avec à ses pieds un agneau saignant qui symbolise le sacrifice divin.

Dans la scène de l’Annonciation, le spectateur ne ressent pas l’intimité habituelle dans ce type de sujet, La Vierge paraît surprise par l’ange Gabriel qui lui a un air autoritaire.

Panneau central du retable d’Issenheim. Première ouverture

Le panneau central parait plus serein avec un concert d’anges et une nativité mais quand on observe certains personnages on y voit des anges au physique un peu particulier.

Détail du panneau central du retable. Première ouverture.

 

Saint Antoine  est un personnage récurrent dans l’iconographie  médiévale et les tentations de saint Antoine est particulier. Ce thème montre les inquiétudes de toute une société face à la tentation et l’enfer. Mais dans ce retable, Mathias Grünewald a choisi de montrer les peurs de ses contemporains face à la maladie. Le culte de saint Antoine déclina à partir du XVIIe, siècle à partir duquel les épidémies d’ergotisme se font de plus en plus rares. Rosine a remplacé Antoine le 17 janvier mais peut-être que certains d’entre vous se souviennent des petits cochons en pâte d’amande que l’on trouvait chez les pâtissiers le premier mois de l’année, ils étaient fait en hommage au saint guérisseur.

Pour voir le retable complet exposé au musée Unterlinden, c’est par ici .

Toutes les photos de l’article proviennent du site Web Gallery of Art

 

L’Automne de Guiseppe Arcimboldo

L’Automne est une huile sur toile du peintre Guiseppe Arcimboldo (vers 1527 à Milan -1593 idem) conservée au musée du Louvre. Ce tableau mesure 76 cm de haut par 63.5 cm de large et est daté de 1573.

Sur un tonneau éclaté sont disposés des fruits et des légumes d’automne de manière à donner l’aspect d’un visage masculin de profil. J’ai compté environ 25 variétés végétales différentes : raisin, pommes, poires, mure, châtaigne, courge, céréales, nèfle, pomme de terre… Le peintre représente une nature encore généreuse même si l’on peut voir une légère lueur d’inquiétude dans le regard du personnage.

Pendant longtemps, Arcimboldo a été vu comme un peintre de bizarreries réservées à orner les cabinets de curiosité pourtant elles délivrent un message plus complexe.

En effet, ce tableau appartient à une série de quatre toiles représentant les saisons (toutes au Louvre), c’est le deuxième ensemble peint par Arcimboldo sur ce thème. Il avait offert le premier à l’empereur Ferdinand 1er son mécène (conservé en partie au Kunsthistoriches Museum de Vienne). Dans ce cas présent, il s’agit d’une commande de Maximilien II et offerte ensuite comme cadeau à l’électeur  Auguste de Saxe (un protestant) dans le contexte difficile des guerres de religion. Ici, le message est que malgré le temps qui passe la Maison des Habsbourg perdure et est immuable comme le cycle des saisons.

Il s’agit là d’un cadeau prestigieux et typique du goût de la fin de la Renaissance qui voit l’éclosion des cabinets de curiosités. Cette période de grands voyages et de découvertes de territoires inconnus amenèrent le goût de collectionner des objets exotiques offrant un condensé du monde tant végétal, minéral que scientifique.

Apprécié par les plus grands mécènes, copié de son vivant, Arcimboldo va progressivement être oublié, il sera redécouvert par les surréalistes. Il souffrira pendant longtemps d’être vu seulement comme un peintre étrange alors qu’il est le précurseur des natures mortes et ses œuvres délivrent un message complexe allant bien au-delà de la simple caricature.

L’image provient du site web gallery of art : http://www.wga.hu/art/a/arcimbol/3allegor/2seaso3.jpg

Pour en savoir plus sur les cabinets de curiosité, vous pouvez consulter le site Curiositas qui a pour sujet les cabinets de curiosité en Europe : http://curiositas.org/

L’actualité de Jérôme Bosch

L’année 2016 marque les 500 ans de la mort du peintre hollandais Jérôme Bosch (né vers 1450-mort en 1516).
Pour commémorer l’évènement deux importantes expositions sont organisées l’ une à dans la ville natale de l’artiste Bois-le-Duc (avec de nombreuses autres animations) et l’autre au musée du Prado.

Cet anniversaire a été l’occasion de plusieurs avancées dans la connaissance de l’œuvre de cet artiste à l’imaginaire foisonnant.
Ainsi les restaurations menées entre 2013 et 2015 par madame Agnès Malpel du centre de recherche et de restauration des musées de France sur le tableau intitulé la Nef des fous (article que j’ai écrit il y a 3 ans)  ont permis de confirmer l’hypothèse selon laquelle ce panneau appartenait à une œuvre plus importante évoquant des péchés capitaux . L’autre moitié de la Nef des fous est un tableau conservé à Yale University Art Gallery de New Haven, l’ensemble évoquerait la gourmandise et la luxure.

La Nef des fous de Jérôme Bosch conservée au Musée du Louvre

De plus le Bosch Research and Conservation Project (BRCP) a attribué une nouvelle œuvre à Jérôme Bosch : une Tentation de saint Antoine conservée au musée de Kansas City . Là aussi, il s’agit d’une huile sur bois appartenant vraisemblablement à un panneau plus important et qui a été découpé à une date inconnue.

Ce peintre hors-norme méritait bien une telle rétrospective.

Pour en savoir plus : http://info.arte.tv/fr/la-renaissance-de-jerome-bosch http://www.telerama.fr/scenes/la-tentation-de-saint-anoine-jerome-bosch-pour-une-toile-de-plus,137838.php

La photographie de la Nef des fous provient du site Web Gallery of Art : http://www.wga.hu/art/b/bosch/5panels/11shipfo.jpg

 

 

 

La Toilette d’Esther

La toilette d’Esther est une huile sur toile peinte par Théodore Chassériau (1819 Saint-Domingue – 1856 Paris) en 1841. Ce petit tableau (45.5 cm par 35.5 cm) est conservé au Louvre depuis 1934 à la suite du legs de la collection du baron Arthur Chassériau.

esther

La Toilette d’Esther par Théodore Chassériau, Musée du Louvre

Au premier plan, se trouve Esther assise à demi-nue entourée d’une servante et d’un eunuque. La jeune femme se coiffe dans une pose sensuelle. Son attitude n’est pas très naturelle et rappelle que Chassériau était un élève d’Ingres qui utilisait lui aussi des poses non anatomiques pour privilégier le dessin (voir l’article sur La grande odalisque).
Mais contrairement à son maitre le jeune peintre (il a seulement 22 ans au moment de la réalisation de cette œuvre) accorde beaucoup d’importance à la couleur comme le montre l’étoffe qui recouvre les jambes de l’héroïne ou l’aspect des bijoux. Cela donne un aspect raffiné au tableau.
Le cadrage serré (les personnages secondaires sont coupés) et l’absence de profondeur donnent l’impression d’une scène chargée.

L’artiste figure un épisode biblique tiré du livre d’Esther rarement illustré par les peintres. La jeune juive se prépare à rencontrer pour la première fois le roi perse Assuérus (ou Xérès) qui cherchait une nouvelle épouse parmi les plus belles femmes de son royaume. Les artistes préféraient représenter le moment où elle plaide la cause du peuple juif.
Le choix d’un tel sujet religieux permettait à Théodore Chassériau de contourner la censure et de présenter au Salon un nu féminin dégageant un fort érotisme.

Ce tableau évoque par la peau de tigre utilisée comme tapis, la servante voilée également le goût de l’Orient un courant très à la mode chez les artistes du XIXe siècle. L’Orientalisme se retrouvait dans de nombreux domaines artistiques et décoratifs comme la peinture mais aussi la littérature comme le montrent Salammbô de Flaubert, les voyages de Pierre Loti ou en arts décoratifs avec les travaux du verrier Philippe-Joseph Brocard (1831-1896).

L’œuvre sera très critiquée par les contemporains de Chassériau car ils trouvaient étrange l’atmosphère qui s’en dégage. D’ailleurs, c’est un artiste qui ne sera pas reconnu à sa juste valeur car perçu à la fois comme élève d’Ingres et suiveur de Delacroix. Pourtant, c’est un peintre inclassable qui mérite une plus grande notoriété.

La photographie provient du site Web Gallery of Art http://www.wga.hu/support/viewer/z.html

Saint Jean-Baptiste part se faire une beauté

Après Sainte-Anne, la Vierge et l’Enfant en 2011-2012, la Belle Ferronnière  en 2014-2015, c’est autour de Saint Jean-Baptiste de quitter les salles d’exposition du Louvre pour les ateliers du Centre de recherche et de restauration des musées de France.

Le tableau va être nettoyé, les restaurateurs vont essayer avant tout de retirer les couches superflues de vernis qui oxydent la surface de l’œuvre et empêchent de voir les détails. Ainsi la croix, la peau de bête et même les cheveux sont quasiment devenus invisibles.
Le tableau sera donc absent des cimaises du Louvre jusqu’à une date indéterminée. Sébastien Allard, directeur du département des peintures du musée,  rappelle qu’on ne connait pas le temps que nécessitera une restauration avant de l’avoir vraiment commencée.
Le panneau a été très étudié en amont et parait sain mais une mauvaise surprise est toujours possible.
Photographie provenant du site du musée du Louvre http://cartelfr.louvre.fr/cartelfr/visite?srv=car_not_frame&idNotice=13846