Apollon servi par les nymphes de François Girardon et Thomas Regnaudin

Apollon servi par les nymphes (vue d’ensemble)Par Girardon et Regnaudin. Bosquet des bains d’Apollon, Jardins de Versailles Photo par User:Plyd — Travail personnel, CC0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=14989856

Apollon servi par les nymphes est un ensemble sculpté entre 1667 et 1675 par François Girardon (1628, Troyes – 1715, Paris) et Thomas Regnaudin (1622, Moulins – 1706, Paris) en marbre blanc de Carrare pour les jardins du château de Versailles. Le groupe mesure 2.3m de haut par 3 m de large et 2.7 m de profondeur. Il est aujourd’hui conservé dans la Gypsothèque de la Petite Écurie mais il était prévu pour la grotte de Thétis (détruite en 1684 lors de la construction de la chapelle royale).

 

La grotte de Thétis, estampe de Jean Lepeautre 1676  https://gallica.bnf.fr/ark:/12148/btv1b53128128n/f1.highres

Il était alors encadré par deux autres groupes représentant Les chevaux du Soleil pansés par les Tritons sculptés par Gaspard et Gilles Marsy d’une part et Gilles Guérin d’autre part. Le groupe fut ensuite exposé dans divers lieux des jardins avant d’être installés définitivement dans un  bosquet appelé les Bains d’Apollon, un décor crée par le peintre Hubert Robert. Le cadre imaginé par l’artiste est un paysage pré-romantique.

Apollon est représenté à la fin de la journée et donc de sa course solaire, il est assis entouré de nymphes, toutes à son service. L’une lave les pieds du dieu, l’autre verse de l’eau, une troisième porte une aiguière. Toutes les figures féminines sont tournées vers le dieu dans une sorte de ronde, leurs poses sont gracieuses. La divinité reprend le geste de l’Apollon du Belvédère avec son bras tendu.

Apollon du Belvédère attribué à Léocharès, 2e moitié du IVe siècle avant Jésus-Christ, Musée du Vatican Par Livioandronico2013 — Travail personnel, CC BY-SA 4.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=36412498

L’ensemble forme un groupe élégant même si le spectateur ressent la force du corps du dieu.Les sculpteurs ont su utiliser le contraste entre les volumes des corps qui laissent glisser la lumière et les drapés qui au contraire l’accrochent.

 

Apollon servi par les nymphes. Vue de détail, photo de la RMN

Ce groupe est d’autant plus remarquable qu’il est la première commande en marbre pour orner les jardins de Versailles et la première œuvre sur le thème d’Apollon que l’on retrouve dans tout le château et ses extérieurs. L’allusion au règne de Louis est évidente avec le décor de l’aiguière représentant le Passage du Rhin ( en juin 1672, le roi déclare la guerre aux Pays-Bas, son armée franchit le Rhin le 12 juin sans rencontrer de véritable résistance, mais le monarque utilisera beaucoup cet épisode pour sa gloire personnelle pour en savoir plus lisez cet article de Stéphane Blond).

Apollon servi par les nymphes, détail de l’aiguière. Photo de la RMN

Dès le XVII^e siècle, cet ensemble est vu comme un chef d’œuvre capable de rivaliser avec l’Antiquité et lance le programme d’ornementation du domaine de Versailles à la gloire d’Apollon et de Louis XIV.

 

Pour en savoir plus sur la restauration du groupe une vidéo  :

 

Voici le lien pour consulter la page du site de la RMN consacrée aux Bains d’Apollon avec de nombreuses vues de détail : https://art.rmngp.fr/fr/library/artworks/francois-girardon_thomas-regnaudin_apollon-servi-par-les-nymphes_marbre?force-download=438909

Un autre article  à propos des  jardins de Versailles  sur caryatides https://caryatides.wordpress.com/2012/10/11/188/

 

Danaé de Jan Gossaert dit Mabuse

Danaé est une huile sur toile signée Jan Gossaert (1478 Maubeuge dans le Hainaut  -1534 peut-être à Anvers) et daté de 1527. Ce tableau mesure 114,3 cm de haut par 95,6 cm de large. Il est conservé à la Alte Pinakothek de Munich et provient peut-être des collections de l’empereur Rodolphe II à Prague.

Danaé de Jan Gossaert, Alte Pinacothek de Munich

Cette œuvre suit la légende de Danaé telle que la raconte Ovide dans les Métamorphoses. La jeune femme fut enfermée dans une tour de bronze par son père à qui un oracle avait prédit qu’il mourrait de la main de son petit-fils. Mais Danaé fut séduite par Jupiter qui se transforma en pluie d’or, de leur union naquit Persée. Sur ce tableau, la jeune femme est représentée à demie couverte par une draperie bleue, assise sur un coussin dans une architecture mi-gothique mi-renaissance tandis que la pluie d’or tombe du plafond.

La couleur bleue du vêtement met en valeur la carnation de Danaé et donnant à cette œuvre un aspect érotique indéniable. Pourtant cette toile est proche des représentations mariales contemporaines par le ton du tissu, le comportement humble de la jeune femme et l’idée d’une fécondation surnaturelle. Toutefois, ce thème iconographique changera de signification dans les décennies suivante avec les représentations de Titien ou de Velázquez où Danaé apparaitra comme vénale.

Danaé du Tintoret 1580, Musée des Beaux-Arts de Lyon

Cette peinture dévoile tout le talent de Gossaert notamment dans la qualité du traitement des tissus et des surfaces marbrées. L’étonnement de Danaé démontre les aptitudes du peintre pour le portrait. Il est un des premiers peintres flamands à se rendre en Italie et notamment à Rome avec la suite de  Marguerite d’Autriche. Ce voyage influença beaucoup sa production ultérieure par l’introduction des cultures antique et italienne dans ses représentations architecturales, ses choix iconographiques.

Aujourd’hui Jan Gossaert est un artiste un peu oublié même si une exposition lui a rendu hommage à la National Gallery de Londres en 2011.

Toutes les images proviennent du site Web Gallery of Art :

Danaé de Gossaert

Danaé du Tintoret

La tentation d’Eve par Gislebertus

Ce bas-relief dit La tentation d’Eve est un fragment  du portail du transept nord de l’église Saint-Lazare d’Autun. Il est en pierre calcaire et mesure 72 cm de haut pour 132 cm de large, il a été probablement réalisé dans les années 1130 et est, fait exceptionnel, attribué à Gislebertus  le sculpteur  qui a signé le tympan. Il est actuellement conservé au Musée Rolin à Autun.

Cette étonnante sculpture représente Eve allongée sa silhouette semble onduler. Tout en chuchotant à Adam (aujourd’hui disparu) elle saisit une pomme. Des feuilles cachent sa nudité.

Cette œuvre montre toute l’habilité des artistes de l’époque romane qui respectaient de nombreuses règles iconographiques comme la loi du cadre.

Ici, Eve est dans une position inhabituelle, elle semble ramper, c’est pour s’adapter au plus près de la forme horizontale du linteau.

L’art roman a horreur du vide,  dans cette œuvre la sculpture ne laisse aucun espace libre : le feuillage remplit tous les espaces.

Enfin, la fonction principale de la sculpture au Moyen-Age est de mettre en valeur l’architecture en accentuant les lignes.

 

La tentation d’Eve est une sculpture romane très célèbre (certains la surnomme la Joconde romane) car c’est des rares nus monumentaux de cette période. La qualité du traitement de la taille : les éléments du feuillage, l’utilisation de la lumière pour accentuer les détails et rendre la narration plus lisibles, le travail sur plusieurs plans qui crée de la profondeur en font un chef d’œuvre exceptionnel.

 

De plus, son histoire est atypique. En 1766, le portail du transept est démonté et les pierres sont vendues comme matériaux de construction. Un siècle plus tard, le relief est redécouvert dans le mur d’une maison. Après plusieurs propriétaires, elle est acquise par la Société éduenne qui l’exposa dans son musée.

 

En 2016, l’œuvre a été restaurée par le Laboratoire des musées de France et en 2017 elle a été mise à l’honneur dans une exposition à Autun jusqu’au 15 octobre 2017.

L’image provient de wikipedia Par Alamandar — Travail personnel, CC BY-SA 4.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=55052284

 

 

La mosaïque du châtiment de Lycurgue

Cette mosaïque aujourd’hui conservée au musée gallo-romain de Saint-Romain-en-Gal a été découverte par hasard au début du XX^e siècle dans le quartier Sainte-Colombe à Vienne (Isère). De grande taille, elle mesure 7*5.20 m sa forme est absidiale, elle daterait de la fin du III^e siècle après Jésus-Christ.

Mosaïque du châtiment de Lycurgue vue dans son ensemble Musée gallo-romain de Saint-Romain-en-Gal (par Hélène Rival (Own work) [CC BY-SA 3.0] via Wikimedia Commons

Au centre du pavement, nous voyons Lycurgue tenter de couper à la hache des pieds de vigne. Dans la partie arrondie, Bacchus banquète avec le dieu Pan et des bacchantes. L’œuvre raconte comment le dieu du vin punit Lycurgue qui s’était attaqué à son cortège.

Cette composition très libre où les rinceaux se répandent sur toute la surface est magnifiée par la couleur verte de l’arrière-plan.

Tous les motifs figurés (êtres vivants et végétaux) sont surlignés par un filet de tesselles plus ou moins épais qui fait ressortir les éléments décoratifs.

Lycurgue tentant de couper les ceps à la hache Détail de la mosaïque conservée à Saint-Romain-en-Gal (par Vassil (Own work) [CCO] via Wikimedia Commons

 Lycurgue est très bien représenté, un dégradé de couleurs est utilisé pour représenter sa musculature, tandis que  les convives sont plus rigides avec des membres inférieurs trop longs.

Cette différence de maîtrise technique tend à montrer la participation de plusieurs artistes sur la mise en place de ce dallage.

Les thèmes de la vie du dieu Bacchus sont fréquents dans l’art de la mosaïque car ces pavements décoraient souvent des salles à manger (comme c’était vraisemblablement le cas ici) ou des pièces de réception mais cet épisode-là est rarement représenté.

Les ateliers de mosaïstes ont rarement laissé des traces en archéologie, ils avaient besoin de peu de matériel : une enclume et un marteau suffisaient pour tailler les tesselles, ces petits carrés de pierre ou de pâte de verre, déposés sur le sol.

De plus, à l’époque antique, les mosaïques ne sont pas considérées comme de véritables œuvres d’art. Ainsi un décor abimé sera rarement réparé mais recouvert par une nouvelle pièce.

Pendant longtemps, seuls les panneaux figurés étaient conservés alors que les autres les mosaïques géométriques par exemple étaient considérées comme sans valeur et abandonnées.

C’est pourquoi, l’histoire des mosaïques est aujourd’hui encore en pleine construction. Le musée de Saint-Romain-en-Gal participe à la connaissance de ce domaine artistique par son atelier de restauration et par son implantation même sur un des quartiers de la Vienne antique.

Si vous souhaitez en savoir plus sur les mosaïques en général et sur celles de Saint-Romain-en-Gal en particulier, je vous invite à regarder la vidéo passionnante du Canal éducatif à la demande sur la mosaïque du calendrier agricole conservée au Musée des Antiquités nationales.

Les deux photographies de l’article proviennent du site Wikimedia Commons.

Le menu gastronomique

Voici un article un peu différent de ceux que vous trouvez habituellement sur ce blog car je souhaitais attirer votre attention sur un petit objet dont vous possédez sûrement des exemplaires oubliés dans un tiroir. Je veux parler du menu vous savez ce petit carton plus ou moins grand mis à la disposition des invités avec la liste des plats dans l’ordre de service.

Repas du baptême d’Emile Jean Joseph Durantet 1er novembre 1856 Collection de la Bibliothèque municipale de Dijon M III 532

Au cours de l’année 2016, j’ai été amenée à mettre en place une petite exposition sur la gastronomie. J’ai choisi de présenter entre autres quelques menus. Je me suis rendu compte que cette petite pièce d’archive était une source importante d’informations et un peu négligée.
Car il s’agit d’un véritable marqueur culturel tant au niveau de la société que de la gastronomie.

Le menu apparaît au XIXe siècle lors du passage du service « à la française » c’est-à-dire que tous les plats sont présentés en même temps sur la table aux convives (comme une sorte de buffet) au service « à la russe » où les plats sont servis les uns après les autres (comme souvent aujourd’hui).
Il est plus ou moins décoré, peut-être fait à la main, objet publicitaire, en tissu…

Les menus retracent l’histoire de la gastronomie grâce à la liste des plats mais aussi celle d’une famille par les menus de mariage, de baptême… Ils montrent les réseaux de sociabilité aux travers des banquets.

Alors plutôt que de jeter vos menus, pensez à les confier à un service d’archives local qui les conservera avec soin comme une véritable pièce d’histoire.
Et si cet article vous a intéressé cliquez ici pour vous rendre sur le site internet de la bibliothèque municipale de Dijon où vous trouverez de nombreuses ressources patrimoniales sur les menus mais aussi le vin (bien sûr), le chocolat…

La photographie provient du site internet de la Bibliothèque municipale de Dijon.

La reddition de Breda de Velasquez

La Reddition de Breda, le 5 juin 1625, dit les Lances est une huile sur toile peinte par  le peintre espagnol Diego Velázquez (1599, Séville – 1660, Madrid) au cours des années 1634-1635. Elle mesure 307 cm de haut par 367 m de large et est conservée aujourd’hui au Musée du Prado.

Le tableau représente la remise des clés de la ville de Breda par Justin de Nassau, gouverneur hollandais de la ville au général  espagnol Ambrogio Spinola.

Les deux camps se rencontrent au premier plan de l’œuvre dans une atmosphère calme et sereine. Au centre de la toile, le vaincu s’apprête à remettre les clés de sa cité au vainqueur, qui dans un geste magnanime l’empêche de s’agenouiller devant lui. Leur posture permet de créer une sorte de trouée et d’apercevoir la représentation de la bataille reléguée à l’arrière-plan. La guerre est alors seulement suggérée par les fumées.

A droite du tableau les soldats espagnols avec leurs nombreuses lances paraissent plus organisés que les hollandais avec leurs quelques hallebardes.

Les personnages sont disposés en frise, les têtes sont quasiment toutes au même niveau, certains réagissent à la scène principale, d’autres regardent fixement le spectateur.

 

Au travers de cette scène qui n’a jamais eu lieu dans la réalité, le peintre insiste sur la grandeur de la monarchie espagnole car ici le contexte historique est très important.  Ce tableau décorait le salon des Royaumes, la grande salle d’apparat du palais Buen Retiro dont toute la décoration était dédiée à la gloire des Habsbourg d’Espagne.

La Reddition de Breda est un épisode de la Guerre de quatre-vingts ans qui opposa les Pays-Bas, luttant pour leur indépendance et la couronne espagnole. Au moment de la bataille, Isabel Clara Eugenia (la tante de Philippe IV) est la gouvernante des Pays-Bas, elle avait reçu ce pays en dot (eh oui, il n’y pas si longtemps, les rois offraient des pays et donc des peuples en cadeau).  En 1637, Frédéric-Henri de Nassau reprit Breda aux Espagnols.

 

La technique de Velásquez est arrivée avec cette toile  à son apogée, la touche est légère et précise, les couleurs sont harmonieuses et vives. Le peintre a su rendre de manière parfaite la texture des tissus.

 

La monarchie espagnole paraît encore imposante, pleine de puissance mais le règne de Philippe IV marque le début du déclin des Habsbourg d’Espagne.

Si ce thème vous intéresse, je vous invite à lire les aventures du capitaine Alatriste de l’écrivain Arturo Pérez-Reverte dont le troisième tome est consacré au siège de Breda et qui m’a donné envie d’écrire cet article.

La photographie de l’oeuvre provient du site web gallery of art

Le concours des portes du baptistère de Florence.

1401 est une des dates phares de l’histoire de l’art, dans la plupart des ouvrages  elle marque le début de la Renaissance en Italie.

Vue d’ensemble de la porte du baptistère Saint Jean de Florence

Le concours est organisé par la corporation des marchands de laine (l’Arte di Calimala) qui veut faire une deuxième porte en bronze pour le baptistère Saint Jean de Florence. Le premier ensemble avait été réalisé par Andrea Pisano entre 1330 et 1336. Les commanditaires demandent aux sept candidats prétendant au chantier de effectuer un relief en bronze dans un cadre polylobé représentant le sacrifice d’Isaac.

Aujourd’hui seuls les médaillons de Lorenzo Ghiberti (1378ou 1381 Florence – 1455 idem) et Fillipo Brunelleschi (1377 Florence -1446 idem) sont conservés au Musée du Bargello à Florence.

 

Sacrifice d’Isaac par Ghiberti

Sacrifice d’Isaac par Brunelleschi

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Evidemment les deux reliefs se ressemblent puisque le sujet et le cadre étaient imposés. Dans les deux cas nous retrouvons les cinq personnages, l’âne et le bélier mais l’impression rendue est différente.

Le panneau de Brunelleschi est violent, l’ange retient le bras d’Abraham juste avant que celui-ci enfonce le couteau dans la gorge d’Isaac. L’œuvre de Ghiberti est plus calme mais fourmille de détails : les rinceaux ornant l’autel, les broderies du vêtement du patriarche.

La forme du cadre est encore de tradition médiévale mais des éléments du relief eux sont tout à fait Renaissance. Sur le panneau de Ghiberti le torse d’Isaac est inspiré d’une œuvre antique tandis que le serviteur( dans le panneau de Brunelleschi) tirant une épine de son pied est un thème que l’on retrouve dans l’art grec.

C’est Lorenzo Ghiberti qui remporta le concours. La porte est constituée de deux vantaux, quatre colonnes de sept panneaux y sont déployées. A chaque intersection des reliefs nous voyons un petit buste en relief, l’un d’eux serait l’autoportrait de Ghiberti.

Le sculpteur mit vingt-deux ans pour réaliser la deuxième porte du baptistère  et une fois terminée on lui confia le chantier de la troisième et dernière porte de l’édifice. Cette commande lui assura une grande renommée tout au long de sa vie, mais aujourd’hui il est un peu oublié au profit de son adversaire.

Les photographies de la porte et des reliefs proviennent du site web gallery of art.

Valve de miroir dite le jeu d’échec

Ce valve de miroir dite le jeu d’échec provient d’un atelier parisien qui la fabriqua vers l’an 1300, elle est en ivoire d’éléphant. Sa hauteur maximale est de 11,5 cm.

Cette célèbre plaque aux angles cantonnés de dragon représente dans un cadre circulaire un couple jouant aux échecs. Chacun est accompagné par un serviteur observant le jeu. Le tout se déroule sous une tente aux rideaux relevés ; le mat soutenant la structure partage la scène en deux parties égales. Toute la composition s’organise autour de l’échiquier.

Le travail de taille est soigné et met en valeur les attitudes de chaque personnage : l’homme s’apprêtant à bouger une pièce, la  servante suggérant un déplacement.

Ce thème se retrouve fréquemment sur les valves de miroir, est tiré de la littérature chevaleresque comme Tristan et Yseult.

Aujourd’hui cette plaque est isolée mais elle devait être reliée à une autre plaque par un lacet ou un pas de vis pour protéger un miroir, les dames les suspendaient alors à leur ceinture ou dans une petite bourse.

L’ivoire est travaillé en Europe occidentale depuis le Ive siècle mais les difficultés d’approvisionnement en font une matière rare et particulièrement précieuse. Au IXe siècle, les sculpteurs réutilisaient même des plaques antiques. Au XIIIe siècle, les circuits commerciaux sont rétablis et de  1250 à 1350 Paris devient le centre du travail de l’ivoire, les pièces produites sont d’abord des œuvres religieuses puis à partir du règne de Philippe IV le Bel se sont également des objets profanes qui sortent des ateliers reprenant des thèmes courtois comme sur la plaque présentée aujourd’hui ou sur celle-ci du musée du Louvre   ou encore sur ce coffret conservé au musée de Cluny 

Les ivoires gothiques par leur raffinement contribuèrent au rayonnement stylistique de la France à travers l’Europe.

La photographie provient de l’adresse suivante : http://expositions.bnf.fr/jeux/grand/020.htm

Ophélia de Millais

Ophélia est une œuvre réalisée entre 1851 et 1852 par le peintre anglais John Everett Millais (juin 1829 Southampton – août 1896 Londres), classé comme préraphaélite. Cette huile sur toile conservée à la Tate Gallery de Londres, mesure 76 cm de haut par 112 cm de large.

Ce tableau représente la mort d’Ophélie telle qu’elle est décrite dans la scène 7 de l’acte IV de Hamlet la pièce de Shakespeare. En voici un extrait:

Au-dessus du ruisseau penche un saule, il reflète
dans la vitre des eaux ses feuilles d’argent
Et elle les tressait en d’étranges guirlandes
Avec l’ortie, avec le bouton d’or,
Avec la marguerite et la longue fleur pourpre
Que les hardis bergers nomment d’un nom obscène
Mais que la chaste vierge appelle doigt des morts.
Oh, voulut-elle alors aux branches qui pendaient
Grimper pour attacher sa couronne florale ?
Un des rameaux, perfide, se rompit
Et elle et ses trophées agrestes sont tombés
Dans le ruisseau en pleurs. Sa robe s’étendit
Et telle une sirène un moment la soutint,
Tandis qu’elle chantait des bribes de vieux airs,
Comme insensible à sa détresse
Ou comme un être fait pour cette vie de l’eau.
Mais que pouvait durer ce moment ? Alourdis
Par ce qu’ils avaient bu, ses vêtements
Prirent au chant mélodieux l’infortunée,
Ils l’ont donnée à sa fangeuse mort.

(Extrait trouvé le 8 juillet 2016 à l’adresse suivante : http://abardel.free.fr/recueil_de_douai/ophelie/mythelitteraraire.htm)

Ici la jeune femme est figurée flottant dans une rivière, un bouquet à la main, entourée d’une nature luxuriante. Ses vêtements paraissent gorgés d’eau et son corps s’enfoncer. On retrouve le saule, l’ortie et le bouton d’or du texte.

Le tableau a été peint en deux temps : Millais commença par le paysage pour cela il s’inspira de la rivière Hogsmill dans le Surrey qu’il observa pendant 6 mois afin de représenter toutes les fleurs de la toile. Puis il réalisa le personnage d’Ophélie, c’est Elisabeth Siddal, la muse des préraphaélites qui posa allongée dans une baignoire remplie d’eau.

Dans cette œuvre, chaque détail est réalisé avec minutie, les végétaux sont figurés avec la précision d’un botaniste et ont chacun une valeur symbolique : les coquelicots évoquent la mort, les marguerites près de la main d’Ophélie symbolisent l’innocence, les violettes en collier représentent la fidélité tandis que le myosotis signifie ne m’oubliez pas.

Le personnage s’intègre parfaitement au décor, les tonalités du vêtement ou de la chevelure se retrouvent dans les coloris de la nature environnante ainsi le roux des cheveux répond à celui de l’écorce du saule.

La composition du tableau par ses obliques descendantes annonce la fin tragique d’Ophélie.

Cette œuvre la plus connue de Millais est caractéristique du courant préraphaélite. Ce mouvement artistique représenté par des peintres comme Dante Rossetti ou Holman Hunt, refusait l’esthétique hérité de la Renaissance. Ici le réalisme exacerbé, la vivacité des couleurs, la référence à la littérature anglaise et l’importance de la symbolique en font une œuvre typique du préraphaélisme. Elle influença de nombreux contemporains et successeurs de Millais comme Edward Burne-Jones.

Pour en savoir plus sur les préraphaélites : article du Musée d’Orsay

La photographie illustrant l’article provient du site web gallery of art : http://www.wga.hu/art/m/millais/ophelia.jpg

 

 

 

 

Ugolin de Jean-Baptiste Carpeaux

Ugolin est une œuvre de Jean-Baptiste Carpeaux (11 mai 1827 Valenciennes- 12 octobre 1875 Courbevoie). Il existe plusieurs versions de ce groupe dans différents matériaux.  Ce bronze conservé au Musée d’Orsay a été fondu en 1862. Il mesure 194 cm de haut pour 148 cm de large.  Le Metropolitan Museum of New York conserve un marbre de taille identique. Tandis que le petit Palais et le musée de Valenciennes ont dans leurs collections des plâtres.

Ugolin de Jean-Baptiste Carpeaux conservé au Musée d’Orsay

La sculpture s’inspire du chant 33 de l’Enfer,  la première partie de la Divine Comédie de Dante. C’est le passage ou le poète florentin accompagné de Virgile rencontre Ugolin della Gherardesca, qui avait trahi le parti des Gibelins (favorables à l’Empereur pour rejoindre celui des Guelfes (soutiens du Pape)  puis instaura une tyrannie dans sa ville. Son rival, l’archevêque Ubaldini le fit enfermer dans un donjon avec ses fils et petit-fils pour y mourir de faim. Avant de succomber, Ugolin mangea sa descendance.

Le père est figuré assis au centre de la composition, ses enfants à ses pieds. La douleur et l’angoisse se lisent dans son attitude : il se mange les doigts, son visage est crispé, ses pieds recroquevillés. Les quatre garçons sont à l’agonie, dans des positions certes contorsionnées mais tellement expressives. Chacun représente une étape vers la mort

La composition de l’œuvre très compacte rajoute à l’impression de peur de terrassement.

Dans la représentation des corps, le spectateur peut voir que Carpeaux s’est inspiré de sculptures antiques comme le Laocoon ou des chefs d’œuvres de Michel –Ange comme les Esclaves conservés au Musée du Louvre.

L’élaboration première de ce groupe a été réalisée en Italie où Carpeaux était élève après avoir remporté le Prix de Rome, il s’agit de son dernier travail en tant qu’étudiant à l’Ecole Française de Rome. Mais le thème devait comporter une ou deux figures et le sujet tiré de l’histoire antique ou de la Bible. L’œuvre fut donc refusée et une bataille s’en suivi entre l’administration de l’école et l’artiste. Ugolin fut terminé une fois que Carpeaux termina son séjour à l’Académie grâce au soutien de mécènes.

L’œuvre de Jean-Baptiste Carpeaux est inclassable, l’ensemble de son travail est  un pont entre le romantisme par le choix de ses sujets et le naturalisme par son traitement réaliste.

La photographie provient du site Web Gallery of Art